La Eterna Sonrisa

Escribe: El Empalador

“Sonríe” este nuevo filme que se estrena en las salas de cine, trae consigo  un nuevo hálito de esperanza al género de horror. “Sonríe”  busca  la sonrisa malévola, ese gesto mohín cómplice y misterioso y que lo  manipula  in extremis  y  pervirtiéndolo  terroríficamente como se puede apreciar en la  cinta.

La búsqueda de la sonrisa horrenda y sellada por un hecho macabro, se puede  rastrear en el  L´homme qui rit (El Hombre que ríe). Víctor Hugo  escribió  este drama, mientras se encontraba exiliado en la isla de Guernesey y que pasó desapercibida  a diferencia de su obra magistral “Los Miserables”. La historia narra la historia de Gwynplaine quién oculta un pasado oscuro y una sonrisa deformada e imperecedera,  producto de una operación sin sentido para ser  convertido en un ser horrendo y transformarlo  en una vulgar atracción de circo y que no puede ocultar esa expresión macabra a pesar de los avatares que va sufriendo. “El hombre que ríe”  fue llevada  al cine mudo e interpretada por el gran actor de entreguerras Conrad Veidt  (Dämon der Leinwand)  rival  del gigante cinematográfico y vedette del nazismo Emil Jannings y que diera germen al desquiciado y archienemigo  de Batman “Joker”, existiendo un cómic del mismo nombre y ambientado en ciudad Gótica y   derrotado finalmente por el  caballero de la noche y también debut de su famoso némesis, esta secuela tuvo descollantes interpretaciones como el de Jack Nicholson, Heath Ledger y su famoso baile en las escalinatas, encarnado por  Joaquín Phoenix, una pequeña obra maestra de nuestro tiempo.

La psiquiatra Rose Cotler va ir capturando la sonrisa macabra de una paciente asesina y detonara en lo más profundo de su psiquis; ya que el sueño de la razón crea monstruos, sacados de los engendros de Doom o  Resident Evil. Una paciente suya  al igual que una enfermedad venérea va ir pasando la sonrisa de uno en uno para desquiciar a quien se encuentre con ella. El filme cuenta con varias tomas volteadas y que resulta lo más hermoso de ella y sus picados espectaculares, sumado  a una música incidental que hace saltar a los espectadores, contando  con  imágenes de aversión que dieran mucho éxito a “Un perro Andaluz” de Buñuel. Sonríe merece ser vista y que  se le dé una oportunidad al género de terror que tiene cierto éxito en el público de provincia. La Paramount Pictures,  trajo un nuevo as  bajo la manga incluyendo su intro bullicioso, rojo y sangriento.

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La Huérfana y Más De Lo Mismo

Por: Billie Joe

En una última función de cine de alguna cadena  conocida de cine,  me permití apreciar los “Orígenes de la huérfana”, una cinta que no trae nada nuevo bajo el Sol  y  en que lo más llamativo son los soundtracks de Interpol y de Michael Sambello.

El filme narra la trillada historia de una mujer que se quedó como niña debido a  una extraña enfermedad y que no le permite crecer y desarrollarse como una persona común y corriente. La huérfana tiene treinta y un años aunque parezca una inocente niña de doce. Encerrada en un psiquiátrico de un país del Este de Europa (Estonia).  La cinta goza con bellas vistas de esta ciudad,  en el que van detonándose sus manías y obsesiones más oscuras,  hasta ir  deformándose  su personalidad vesánica y convertirse en una asesina al estilo Hannibal Lecter, sin llegar al canibalismo.

En esta cinta la búsqueda de algún tipo de terror psicológico o paranormal  y de algún demonio del inframundo u otra cosa, no  podrá ser vista.  La  huérfana escapa cinematográficamente hasta llegar al “New England”  norteamericano para ser acogida en una casa de una familia “modelo americana”  y que oculta grandes misterios  familiares y por un padre pintor, quizá el único que la trate amablemente y como una hija más.  La huérfana se  tiene que enfrentar  a  los acosos de su madre y hermano  adoptivo, enmarcados  dentro de una casa inmensa y con decorados antiguos, trayendo los añejos recuerdos del “Exorcista”  y el tenue alumbrado que es ya casi un clisé en el cine de  horror, teniendo  una persecución e incendio final, saliendo airosa la pequeña huérfana asesina.   

Una cinta que no tiene   la  grandilocuencia de la Monja 2 o Rec y que no  se asemeja a una serie televisiva o bien podría encajar perfectamente en ello, no nos permite  avizorar  un buen futuro para las siguientes entregas de la pequeña huérfana  homicida, enmarcados por un cruel destino incierto.

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¡Apaguen todo! Acaba de partir Godard

Por: Estefano

«Soy un adicto del cine».

«Estoy completamente loco por el cine».

Jean Luc Godard.

Uno de mis ídolos cinematográficos acaba de partir a la eternidad después de un largo encierro autoimpuesto en su vivienda de Suiza. Jean Luc Godard; primo de un ex presidente peruano, comenzó su carrera como un furioso crítico de cine  y  quien fuera  figura clave e imprescindible de la  “Nouvelle  Vague” movimiento que rompiera con  cualquier esquema preestablecido hasta ese entonces, además de tomar distancia con  todos los movimientos anteriores y sobretodo con el “Realismo poético francés” y  a  las  anquilosadas grabaciones en estudios  que eran muy comunes  por aquel entonce.  Semejantes  al movimiento  impresionista.  Godard  y Truffaut, quizás el más poético de sus representantes, salieron a “tomar la calle” por llamarlo de alguna manera y se animaron por el uso de la cámara en mano y a la utilización cortes de tiempo (jump cuts), elemento muy utilizado en  la cinematografía Godardiana.

Jean Luc y Anna karina

En À Boute de soufflé (Al final de la escapada) primer debut cinematográfico de Jean Paul Belmondo  y que demostrara  su admiración en esta cinta por Humprey Bogart, compartiendo roles con la suicida Jean Seberg y que sin ningún guión predefinido,  rodaron un clásico del séptimo arte.  Godard al igual que un camaleón y  miembro del grupo Dziga Vertov (cineasta ruso que inventara el término Ojo en el cine).  Y  que durante toda  su carrera siempre estuviera  en constante cambio al no alinearse a ningún canon o estética cinematográfica. Desde el baile protagonizado en “Vivre sa vie” por su musa y primera esposa la actriz danesa “Ana Karina”, una versión libre de Nana de Émile Zola; tomado en cuenta por Tarantino en uno de los filmes y por esa la popular carrera en el museo de Louvre en  “Bande à part”.

Las películas del  cineasta franco-suizo  comenzaban desde el final y terminaban en el principio muy influenciado por los directores soviéticos. Experimento hasta el hartazgo  al igual que un  alquimista cinematográfico  al rodar esa belleza contemporánea  de “Le Mépris” basada en la novela del escritor italiano Alberto Moravia y protagonizada por Jack Palance y en el que  apareciera un  Fritz Lang con monóculo, hasta llegar a sus coloridos homenajes maoístas de “Le chinoise”. Al transcurrir del tiempo se animó a manipular sus cintas y con la  revuelta de mayo del 68 se volvió  más politizado. Entre sus últimos trabajos se encuentra el collague de “socialisme” presentado en el festival de Cannes “En una cierta mirada” y como diría el Conde de Lemos siempre quiso “épater le burgois”  y además de recibir alguna vez el tortazo de un anarquista y verle comer el mismo pastel en ese mismo momento.

Michael Hazanavicius “Mal Genio” (2017)  se animó a llevar a la pantalla grande el segundo romance más famoso del “réalisateur” y que de ninguna manera fue del agrado del antipático y frustrante director francófono. Godard es sin duda esa rara avis, una mezcla entre surrealismo y Eisenstein, y que necesitaba una pistola y una mujer para hacer una buena película.  ¡Hasta siempre Jean Luc!.

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Chaco

Por: Barón de Bristol

Diego Mondaca realizó un precioso fresco visual y muy personal sobre la sangrienta guerra del Chaco, una beligerancia sostenida entre Bolivia y Paraguay y que dejara muchas secuelas entre ambas partes. Dicho conflicto bélico se produjo durante  los años treinta del siglo XX y que se vio empañada  por varios  episodios cruentos. Además de la falta de pertrechos militares,  carencia de agua  y   al terreno  difícil y  árido  del Chaco boreal al que se enfrentaban.
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La historia oficial  mencionaba que fue un enfrentamiento por la búsqueda de nuevos yacimientos gasíferos, también se esgrimió la tesis de  que los  Rockefeller se encontraban detrás de estas riquezas naturales azuzando dicha disputa, hasta se insinuaba de una posible salida al océano Atlántico por el lado boliviano a consecuencia de la pérdida del mar en la infausta guerra del Pacífico. Fronteras que  aún no se encontraban bien definidas desde  la época del Virreinato del Río de La Plata y  de la Audiencia de Charcas. Del lado paraguayo despertó su lado nacionalista, trayendo los recuerdos de la Guerra de la Triple Alianza.

El presidente boliviano de aquel entonces se lanzó a una guerra precipitada  y  comandada por un ex veterano alemán de la primera guerra mundial – Hans Kundt –   y que utilizaba tácticas de guerra caducas por aquel entonces. El director de esta cinta,  quizás se basó en este último para dar vida al general germano de la película, quién  es  responsable de llevar a su tropa a una muerte segura  al  querer enfrentarse a un aparente enemigo invisible.

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Los antecedentes cinematográficos sobre la guerra del Chaco son  muy escasos, entre estas se encuentra la película a blanco y negro “Hijo de hombre” dirigido por Lucas Demare o también conocida con el nombre de “Choferes del Chaco” y que  estuvo basado en el libro del escritor guaraní  Augusto Roa Bastos y quién también escribiera el guion final del film , contando con la actuación principal  de Paco Rabal. La película trata sobre una misión suicida y de abastecer agua a los soldados que  se encontraban resistiendo en la primera línea del frente de batalla y en el que Francisco Rabal interpretara al héroe estoico e impertérrito,  secundado por una mujer de antiguo mal vivir y que se convertirá en una esforzada enfermera, asemejándose a una María Magdalena, encontrándose perdidamente enamorada del protagonista y que llegará hasta el mismo paroxismo y  valentía con tal de conseguir su amor; una historia envuelta en un halo de romance y heroicidad en medio  de un contexto bélico. En otro aspecto se puede apreciar el documental “En el Infierno del Chaco” y filmado en el mismo teatro de operaciones de la guerra, observándose  la refriega  entre ambos bandos; esta evidencia visual  ha podido ser restaurada en su totalidad, creyéndose pérdida durante mucho tiempo y apreciándose la batalla de “Boquerón” y viéndose en una de las escenas al  comandante de las fuerzas paraguayas -José Félix Estigarribia-.

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Historia aparte fue contada por mi mismo abuelo y quien contaba como anécdota y  al encontrarse exiliado por el régimen fascista de  Sánchez Cerro en Bolivia, junto a otros expatriados peruanos y mientras laboraban momentáneamente en una cervecería de  La Paz  y cuidándose de la leva del ejército boliviano en que las personas de aquel lugar solían llamar a sus perros con el nombre de “Estigarribia”.

Por el lado literario se puede rastrear los cuentos del chueco Céspedes quien perteneciera a la generación del Chaco y fue al mismo tiempo corresponsal  de guerra. En su libro “Sangre de Mestizo, Relatos de la guerra del Chaco” pudo  narrar los avatares y cuitas de la alicaída armada boliviana, editado alguna vez en Perú por Populibros muy semejante a  “Sin novedad en el frente” de Erich Maria Remarque.

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En Chaco no se podrá observar grandes batallas, ligadas al  género bélico y tampoco se ciñe fielmente al cine histórico. La cinta se centra desde el punto de vista de los soldados aymaras y quechuas que participaron en la guerra y que servían de pongos o sirvientes por aquel entonces, enmarcada dentro de una sociedad estratificada y de hondas diferencias sociales. Muy aparte de la  discriminación imperante, fueron conducidos como carne de cañón al frente de batalla y a un terreno hostil en que las gotas de  lluvia se  festejan como un regalo divino, cavando zanjas buscando agua y con las mejillas hinchadas de coca, estarán dirigidos por un alto mando alemán  que se niega a retroceder un centímetro, sumado a su manía de portar una muñeca (fetiche) de tamaño natural a donde les llegara a coger la noche.

Las imágenes de la cinta y los tenderetes construidos con palos y follaje que fungían de cuarteles de la época,  trayendo los recuerdos a las pinturas de Gil Coimbra quien también participó en la guerra junto a Cecilio Guzmán de Rojas y Emiliano Luján quien esculpió la escultura del “Soldado Desconocido” y que se puede apreciar en varios lugares del Bolivia actual y  marcado por muchas controversias de índole nacionalista.

El grueso de la soldadesca boliviana y con ojotas se debate entre la vida, la muerte y el hambre, al tratar de perseguir lo imposible en que el clima del Chaco se va convirtiendo en su peor enemigo. Un soldado humilde boliviano y personaje principal se jugará la vida en pos de su sobrevivencia, además  es quien pretenderá en encajar dentro del alto mando  criollo y por el  lado de la tropa, será visto como un simple traidor. Debido al contexto de hostilidades y en el que cualquier error o deserción será castigado duramente o será pasado simplemente por  armas. En su dolorosa búsqueda del enemigo o “pilas” (pies descalzos paraguayos) atravesaran por varias  adversidades, hasta toparse con una laguna quizás envenenada intencionalmente por el enemigo y por  la caminata  semi autónoma y sin rumbo. Asolados por las enfermedades y demás... llegarán hasta el  mismo suicidio, parecido a un harakiri en que los soldados bolivianos se fusilaban entre ellos para acabar con sus penurias. Dentro de ese entorno arduo se  pudieron componer las mejores canciones sobre este conflicto y  que alguna de estas se pueden oír en el film.

Chaco sin duda marca un hito fundamental dentro de la cinematografía del país altiplánico y que  ha podido dejar grandes producciones contemporáneas, tales como: American Visa (Juan Carlos Valdivia), ¿Quién mató a la llamita blanca? (Rodrigo Bellot), y Los Andes no creen en Dios (Antonio Eguino) estelarizada por Diego Bertie y que continúan con  la senda del genio boliviano de Sanjines y su  prestigioso grupo Ukamau.

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Los Reyes del Falsete

créditos: Pamela Zarnowski

Publicado en : La Tundra U.k

Los reyes del falsete son una de esas pocas bandas que aparecen cada cierto tiempo y que traen una nueva explosión sonora de muy buena calidad. Sus canciones agudas y de soberbios estribillos suben al firmamento al igual que un globo de helio suspendido en el aire, en una mañana clara de verano. En la música de Los reyes del falsete se puede notar que pueden ir variando de los ritmos suaves hasta los riffs frenéticos de guitarras eléctricas y que se van fusionando con pequeñas ráfagas de electrónica pura.

Los hermanos Nica Rex y Juanchy Manchy, piedras angulares de la banda ya han acumulado un gran recorrido musical dentro de la escena sureña de la europeizada Buenos Aires y es que en algunas de sus grabaciones pueden contar con la colaboración de Lito Nebbia y masterizar uno de sus discos en Nueva York en el mismo lugar que lo hicieron una de las primeras bandas virtuales y ficticias del mundo – Gorillaz-, sin arrebatarle el primer lugar a The Archies y su poderoso hit- Sugar, Sugar-.

Discografía infaltable de la agrupación y que de aseguro algunos años se habrá convertido en uno de los iconos de la escena independiente y porque no del mundo son: La Fiesta de la forma (2009), Días nuestros (2012), Lo que nos junta (2016). Por estos días la escena indie pareciera reinar a sus anchas e inmutable debido a su gran capacidad de aglutinar con otros géneros, tanto como : el folk, soul, blues, etc. Por eso no se le  debe de perder el rastro a Los Reyes del Falsete y a sus coros distorsionados.

Soundtrack:

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QUILAPAYÚN, MÁS ALLÁ DE LA CANCIÓN

Because the revolution goes on

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Publicado en la web de :http://www.latundra.com/quilapayun-mas-alla-de-la-cancion/

Hace menos de dos semanas que visité Santiago Chile y en la cartelera del cine arte Alameda, presentaban el documental de uno de los grupos más representativos del folclor chileno “Quilapayún, más allá de la canción”. Un documental premiado y de espléndido rodaje sobre la trayectoria musical de uno de los conjuntos musicales más importantes que han revolucionando la música latinoamericana, junto a otras agrupaciones de similar importancia.  Y que debido al infausto golpe militar realizado en Chile, conllevó a la agrupación a un exilio forzoso por muchos años en Francia. El documental dirigido con buen pulso por Jorge Leiva narra los avatares después de la euforia revolucionaria de los años sesenta hasta la vida común y corriente de muchos de ellos, aunque la energía primigenia de aquel periodo no ha menguado en lo más mínimo en muchos de sus integrantes. Quilapayún o que vendría a ser traducido al español del lenguaje mapuche –Tres barbas-.

Mientras tanto la banda ha ido pasando por diversas etapas  desde las potentes canciones revolucionarias –En que el pueblo Unido, jamás será vencido- y que aún en Latinoamérica se puede oír en diversas protestas y actos políticos de izquierda. Otra canción de importancia es “La Muralla” y que es una de sus canciones más conocidas y emblemáticas de su repertorio.

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En el documental se pueden ver algunas fotos, recortes y presentaciones de Quilapayún en su periodo de mayor éxito, así como de su primer director artístico –Víctor Jara-  quién  fuera uno de los pilares fundamentales y que originaron la “Nueva Canción Latinoamericana” y que por sus canciones de contenido social y de letras sesudas, siguen elevando al pensamiento más profundo de sus oyentes actuales. En esos años de revuelta y de amor libre decantó en Chile a la creación del sello discográfico DICAP (Discoteca del cantar popular) ayudando a la publicación de su primera placa “X Vietnam” en que se puede escuchar: “Que la tortilla se vuelva tomate” un tema clásico del bando republicano durante la guerra civil española. Otro  tema  que me gusta siempre volver a repetir y compuesta por Violeta Parra “Que dirá el santo padre” canción que apunta directamente a la pasividad  del Vaticano sobre algunos temas delicados  a los que simplemente prefieren pasar por alto.

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En Quilapayún hubo varias transformaciones, presentaciones de mucha recordación, hasta la muerte de uno de sus integrantes, pero su forma coral y la manera de interpretarlas, más allá del discurso y de sus compromisos políticos han dejado una huella indeleble en el mundo y en la Sudamérica que busca un rumbo para estar más unida, al menos eso se puede oír en las letras de las canciones de los Quilas.

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Entrevista completa a Juan Gronemeyer baterista y fundador de Chico Trujillo.

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Entrevista: Julio Zeballos Gutiérrez (Selenque).

Publicado en: La Tundra U.k    


1.- ¿Cómo y por qué decidió convertirse en músico? ¿Fue la batería u otro instrumento de percusión el primer instrumento que empezó a tocar?

El «cómo» no lo tengo muy claro. Fue el pasar del tiempo el que determinó que mi vida la consagraría a la música. Yo sólo me dejé llevar por la fuerza de la música, por la felicidad que me da el saber que el pulso del bombo que toco en Chico Trujillo hace bailar a grandes y chicos, aquí en todas las comunas de Chile y también en Helsinki y Guadalajara. El «porqué» creo que está mas claro. No se puede nadar contra la corriente. Y podría dar un sinfín de refranes que lo confirman!! ‘Pastelero a tus pasteles’, etc. Cuando se nace con algún don artístico hay que explotarlo. No es fácil vivir de artista, menos en un país como Chile. Hay que tener mucha convicción y perseverancia, doy gracias el haberme asociadocon súper buenos músicos y por sobretodo buenas personas. No hay que olvidar que antes de ser ‘músicos´ somos ´seres humanos´.El primer instrumento de percusión que practiqué fue en el colegio. Tenía 10 años. Tomé clases formales con la profesora Amanda Norambuena. Fue el Piano. Percusión melódica.Luego integré un grupo de folklore latinoamericano llamado Camanchaca. Allí de desarrollé en el Bombo Legüero, Bongó, etc. El gran salto a la percusión étnica fue por ahí por el año 1991, 1992 en donde comencé a tocar el Berimbao, Tabla Hindú, Kalimba, etc. la batería la comencé a tocar por casualidad y de manera muy chistosa. Hacía falta en la iglesia presbiteriana del barrio (Quilpué, V región) un baterista para la banda de Rock cristiano del culto juvenil del domingo. Le preguntaron a mi hermano mayor y él no aceptó. Yo sí.Fue allí en donde me senté por primera vez en una batería de verdad. No en una de pedales de madera, platillos de lata, tome de bidones de agua y todo manufacturado por mi mismo.Cuando la presión por «aceptar a Cristo en mi cuerpo» fue insostenible, decidí alejarme. No aprendí nada del Presbiterianismo, pero sí de la Batería!!!

2.- ¿Cuéntenos acerca de su carrera musical?  ¿Cuándo empezó? y ¿Cuáles fueron las bandas que integro?

Bueno como expliqué recién partí muy chico. En el colegio. Cuando comencé a tocar instrumentos del mundo se me abrió todo un universo. En ese tiempo no había internet y conseguir material para estudiar era muy difícil. Una fotocopia de un libro, un casette y con mucha suerte un VHS eran las herramientas con que contaba. Lo demás imaginación y horas y horas de conocer el instrumento.

Recuerdo en la casa de mi madre cuando me sentaba (en posición del Loto) a tocar Tabla (de la India) sólo me levantaba a comer con mi familia, lo cual me tomaba al menos 5 minutos el poder estirar las piernas y poder pararme ya que las tenía absolutamente dormidas por la posición.

Siempre he dicho que antes de ser baterista soy percusionista…es más soy «re-percusionista».

Algunos proyectos musicales que integré fueron: Camanchaca, Nitock & Sellas Dance, Tihai, San Bento todos ellos desaparecieron, por ahora quedan Lafloripondio (desde 1995), Detucunaatutumba (desde 1998) y Monsónicos (desde 2015)

Lafloripondio es una mítica banda, también hay otros músicos de Chico Trujillo, de hecho su líder y vocalista es el mismo Macha. Existe desde el año 1992. Mezcla Rock, punk, afro, reggae, etc.

Con Detucunaatutumba junto a mi amigo Rodrigo Aros, exploramos y reversionamos música fuera del marco europeo, es un homenaje a las músicas de los pueblos del mundo. Este domingo nos presentaremos en el Lollapalllooza de Santiago de Chile.

Con Monsónicos exploramos la música de la India, el cual es el estilo que durante más años he escuchado. Mi padre tenía un casette de Ravi Shankar. Allí cuando niño, fui capturado. Aquí en Monsónicos toco el Sarod, el Jaltarang, Santoor etc instrumentos melódicos de la India.

3.- ¿Por qué Chico Trujillo se decidió por hacer cumbia, además de otros ritmos tropicales de origen latinoamericano? ¿Díganos sobre el nacimiento u origen musical de Chico Trujillo?

Esa decisión no fue nada de sentarse en un escritorio y decir «vamos a hacer una banda que haga CUMBIA, porque la cumbia… bla bla bla.

Partimos el proyecto por allá por el año 99 por una necesidad de hacer algo mas latinoamericano y algo bailable. La cumbia, llegó solita, nadie la invitó oficialmente a esta fiesta. pero fue y será totalmente bienvenida.

Está en nuestro ADN musical parrandero. No sólo aquí, en toda Latinoamérica. Es la carretera panamericana de la música bailable.

Después de una gira de 3 meses por Holanda, Alemania y Austria que hicimos el año 1999 con Lafloripondio llegando a Chile nos pusimos junto a Tuto Vargas (bajista de Laflori y Chico) y a Macha (voz de ambas bandas) a ensayar para dar forma a Chico Trujillo. Primero algunas canciones propias, algunos boleros, etc. Un formato bien distinto al principio. Sin batería, sin vientos.

Luego aparecieron las primeras cambios. Algunos clásicos de la Sonora Palacios, de Tomy Rey, Viking 5, etc. Allí nos caímos hipnotizados por el poder de la Cumbia. Hasta hoy.

4.- ¿Expónganos un poco sobre los orígenes de la cumbia en Chile, ya que la banda realiza una fusión chilombiana (Chile y Colombia). Asimismo que la cumbia no es un ritmo tradicional en su país a diferencia de la cueca? ¿Podría afirmarse que se ha dado un tipo de “explosión” de la música de origen tropical en su país, en este caso la cumbia?

Creo que somos junto a Argentina los países más «europeizados» de America Latina. El lado tropical o caribeño no nos toca en absoluto. Con este gigante muro de rocas y nieve que es la Cordillera de los Andes, el desierto de Atacama por el norte, los hielos eternos del sur y el gran Océano Pacífico quedamos muy alejados de todo el calor y el movimiento de caderas.

Igual y todo llegó la cumbia. en los años 50’s y 60’s ya se empezaba a escuchar cumbia y otros ritmos. Mucho se le debe a la Huambaly y la Sonora Palacios entre otros.

El golpe militar mutiló las expresiones de jolgorio populares. La cumbia quedó. Recuerdo que de chico en las fiestas de año nuevo, en la kermesse del colegio, etc se bailaba cumbia.

Lo que hicimos nosotros fue simplemente «revivirla». Estoy convencido que la cumbia como muchos otros estilos musicales, no son estáticos. Varían según el tiempo y el lugar. Eso que ahora llaman «la nueva cumbia chilena» no es mas que el despertar actual en Chile de un ritmo que ha existido durante muchos años en América.

5.- Su estilo de cumbia se acerca en algunos aspectos a la sonora de Tommy Rey, como la canción compuesta por Hernán Gallardo  –Un año más-  que en un comienzo cambio por diversos géneros hasta que el éxito definitivo lo consiguió en la Cumbia y que al igual que la orquesta musical mencionada ustedes también lo interpretan. ¿Cree Ud. que asimilaron el estilo o tienen la influencia de la  musicalidad de dicha agrupación? ¿Chico Trujillo se convertirá en la próxima sonora o una agrupación de este tipo en Chile o en Latinoamérica? ¿Cree que la sonora de Tommy Rey es una de las grandes orquestas que existen hoy en día en Chile?

Es inevitable tener a Tomy Rey como referente. Ellos son una gran Orquesta!! Cantan cumbia desde que era niño, quizás ni nacía!! Tenemos influencia de ellos, así como también de Aniceto Molina, de Alfredo Gutierrez, de Juaneco y su Combo, de Los Palmeras, etc

No podría saber en qué se convertirá Chico Trujillo, sólo espero seguir haciendo bailar a la gente con nuestra música, y que lo sigamos pasando bien nosotros en el escenario porque creo que eso se nota y a todos nos gusta.

6.- A diferencia de la cumbia que viene haciendo Américo de gran  éxito y repercusión en Chile y que muchos de sus temas están compuestas por Estanis Mogollón (Perú) y que primigeniamente  fueron canciones exitosas en su país vecino del norte y que han sido muy populares en la radios, autobuses y fiestas locales ¿La banda podría considerarse que se encuentra enmarcada dentro de lo independiente o alternativo de la cumbia, sí es que podría existir dicho termino? ¿Tienen algunos inconvenientes en la difusión de su música por los medios de comunicación tradicionales o es que por el momento la cumbia  se encuentra segmentada a un determinado número de oyentes que por lo general son las clases populares? ¿Cuál es su  percepción del público al escucharlos?

Creo que a pesar de ser inmensamente populares en Chile (eso me consta al ver el cariño de la gente en los festivales comunales que hacemos en verano) estamos en un segmento de lo que bien dices «independiente o alternativo de la cumbia». Si bien sonamos en las radioemisoras chilenas o por medio de un Cd, etc en las casas o fiestas lo que marca una diferencia clara es nuestra apatía con la televisión y farándula. Cuando un festival es televisado, lo rechazamos. No damos entrevistas a cualquier medio tampoco. Eso marca una diferencia inmediata, y creo para bien.

Creo que hoy en día la cumbia en Chile no se baila solamente en segmentos populares. Lo hemos comprobado empíricamente. Atraviesa los estratos sociales. Y las generaciones también…la gente es igual de feliz en todos lados con el trance de la Cumbia.

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7.- Hoy en día en Sudamérica la cumbia se ha diversificado por distintos lugares geográficos y por diversos estratos sociales en que se escuchan determinados grupos musicales y que también se podría hablar sobre distintas variaciones de la cumbia, por ejemplo existen: La tradicional cumbia colombiana, La cumbia villera (Argentina), la cumbia peruana y hasta la electro-cumbia que se viene dando generalmente en todos los países ¿Cómo definiría o cual es la característica esencial desde su punto de vista como músico y cuál es  la diferencia de la cumbia chilena con los otros países?

No podría decir con certeza la diferencia de la cumbia chilena con las otras de Sudamérica. Sé diferenciar una villera argentina una chicha peruana pero parece que al estar metido en medio de la ola de la cumbia chilena me cuesta ver sus características. Tendía que hacerlo un crítico musical en Londres!! con una mirada mas objetiva.

8.-  ¿Por qué las canciones de Chico Trujillo traen a la memoria un sentimiento de nostalgia  de cumbia añeja y de fiesta de barrio   que remite hasta la primera infancia de los primeros años de las celebraciones familiares y donde la gente se reunía únicamente a bailar  ¿De dónde surgió esta idea de hacer cumbia de estilo antiguo y con reminiscencias al pasado? Las tapas de los discos de Chico Trujillo  tienen los dibujos y la forma de los discos tropicales antiguos, tipo vintage, con los personajes elegantes y de terno ¿Cómo surgió dicha idea en los discos?

Muchas veces hay cumbias con letras muy tristes pero ritmos muy bailables. Es una de las cualidades mágicas de la música latinoamericana. En especial de la Cumbia. Ese sentimiento de nostalgia por algo será…

Las carátulas tipo «vintage» de Chico Trujillo, son arte de Claudio Botarro. Ahora las hace Katafú desde Barcelona. Ellos proponen y trabajan con Macha el concepto. Allí nosotros los músicos no intervenimos nada.

9.-  Su música retrotraen a las novelas Gabriel García Márquez y a la canción “Macondo”  que se asemejan a varias ciudades de Latinoamérica y  siendo su versión más popular hecha por  Oscar Chávez y compuesta por Daniel Camino Diez Canseco y estrenada por primera vez en el festival de Ancón 1969 que podría encajar perfectamente dentro de su repertorio. Otra de ellas es  la canción de Andreas Bodenhofer –Molinos de Viento-  que convierte un poema de Vicente Huidobro, rival de Neruda en una canción bailable con voz de Javiera Parra. ¿En su opinión cree que cualquier canción o poema puede encajar dentro del ritmo de la cumbia como varias versiones que se hacen en el punk rock?

mmm… no se.

10.-Sus canciones como ya fue mencionado anteriormente evocan varios sentimientos y  una de esas canciones pegajosas y más representativas de su cancionero y  que juegan con el doble sentido es –Conductor- ¿Cuéntenos cómo surgió la idea de la canción?

«El conductor» es una canción compuesta por Alberto Buitrago y José Bedoya, cuya versión más conocida es la de Mike Laure en la cual nos basamos. A todos nos gustaba, por eso la quisimos recrear. jamás pensamos que sería tan popular.

11.-El próximo mes de abril se estarán presentando en Londres junto a Calexico,  entre otras bandas ¿Cuáles son las expectativas para este concierto? ¿En su concierto  en el exterior la mayoría de su público es latino o convocan a un público variado? ¿Cómo se encuentra la expansión internacional de Chico Trujillo?¿Es la primera vez en el Reino Unido?

Siempre damos lo máximo en nuestros conciertos, ya sea el primero o el último de una extensa gira. Ya sea en Pichidegua o en New York.

Londres será el primer concierto de esta gira europea 2016, iremos con una energía sobrenatural…con todo el «newen»!!!. Es segunda vez en Inglaterra, tenemos grandes expectativas, nos encantan muchas bandas , Inglaterra es cuna de grandes músicos que han inspirado a toda la humanidad.

Creo que en nuestros conciertos por Europa el publico es muy variado. Convocamos claramente más a Chilenos y latinos residentes, pero el europeo siempre se ha interesado por las propuestas latinas, le encanta bailar! les cuesta pero les gusta!!

 12.-Nos podría mencionar ¿cuáles son sus discos indispensables, grupos imprescindibles  o canciones favoritas?

Partiendo por mi discoteca personal, grupos o músicos que han marcado mi vida en el ámbito de la ‘música del mundo’ algunos de ellos son: Fela Kuti, Ravi Shankar, Amjad Ali Khan, Shiv Kumar Sharma, Shakti, CODONA, Egberto Gismonti. La música del pueblo Huichol (de méxico) el Son Jarocho.

Los Gamelanes de Indonesia, los tambores y coros de los Pigmeos del África profunda.

Muy importante también creo es el DUB. Lee Scratch Perry, Augustus Pablo, King Tubby, etc

Y de referentes cumbiancheros hay miles! la Cumbia psicodélica peruana; Los Mirlos, Juaneco y su Combo, Los Destellos entre otros.

13.-Tenemos muchos lectores jóvenes que nos leen: ¿cuál sería el consejo que les daría a los jóvenes que desean ser músicos  o los que se encuentren en la disyuntiva de decidirse por alguna  carrera musical?

Recuerdan que contaba que cuando joven no me podía ni parar por estar estudiando un instrumento de la India?? creo que ahí está resumido todo. La disciplina y constancia. El ser perseverante es primordial. También lo es creerse mucho el cuento! pero ser humilde…  aprender a entender al compañero de la banda, a ponerse en sus zapatos!

 

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Las Islas Aladas de Luis Hernández

 Yo hubiera sido Premio Nobel de Física, pero el sol, la cerveza, la playa, la coca cola los parques y un amor me lo impidieron.

Luis Hernández.

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Portada:Hermanos Magia, Ed. Pesopluma

Escribe: Julio Zeballos Gutiérrez (Selenque).

Las islas Aladas es el último libro recopilatorio de los primeros versos de Luis Hernández Camarero, aún cuando  comenzaba  a dar sus primeros pasos en el mundo de  la lírica y todavía no era considerado un personaje emblemático  dentro de la poética  peruana y latinoamericana.

Luis Hernández nació en  el seno de una familia desahogada económicamente en  la Ciudad de los reyes –Lima-.  Ciudad que por aquel entonces conservaba un aire aristocrático virreinal y  que arrastraba lánguidamente  su arcadia colonial. Antes de que aconteciera la gran migración de pobladores del interior del Perú, mayoritariamente habitantes de la sierra del  país convirtiéndose,  en una urbe de ocho millones de peruanos o  en un monstruo de ocho cabezas que siempre han creído ser vanidosamente el Perú entero. Como lo definiría César Gutiérrez autor de un libro vanguardista “Bomb4rdero”.

En su primer recopilatorio, la poesía de Luis o Luchito o como se le suele llamar cariñosamente en los barrios de Lima y después de Vox Horrísona, antología poética. Las Islas Aladas resultan la primera compilación  de los primeros cuadernos poéticos: Orilla (1961), Charlie Melnik (1962), Las Constelaciones (1965).

Debido a que el autor solía escribir a mano y dibujar sus versos  con plumones de colores, obsequiándolo a sus mejores amigos, su poesía mostraba  un fino gusto por las palabras y los versos coloquiales que siempre han encandilando a sus más jóvenes lectores. Luis Hernández siempre ha sido un autor para jóvenes por el aire pop y sin remilgos de sus ars poética.

Su poesía muy influenciada primigeniamente por  Juan Ramón Jiménez, premio nobel, que fuera víctima de una broma pesada realizada muchos años atrás por otro joven poeta peruano -José  Gálvez- con la complicidad de un compañero suyo, haciéndose pasar estos dos por una misteriosa dama peruana, llamada Georgina Hübner. Oportunidad ideal para que se les enviase libros a escondidas, hasta que el joven bardo español enamorado de aquella dama se decidiera por conocer a su  secreta amante peruana, animándose a venir a estas tierras en barco, pero antes de realizar la travesía hacia el puerto del Callao los dos bribones peruanos hicieron morir a la musa del autor de Platero y yo, dejando en el desconsuelo al un joven aeda, después de muchos años sería revelada aquella mentira, empero esa es otra historia.

La Poesía de Luis Hernández  fue  variando a lo largo de su carrera hasta su triste desaparición en la época de la más  dura de la dictadura Argentina, sobre las rieles de un tren, hasta el día de hoy una muerte no esclarecida.

Muchos de sus versos contienen frases soberbias y dignas de ser citadas -Ya que solitarios son los actos del poeta como aquellos del amor y de la muerte-, como diría el autor. Sus versos se sublimizan en el non plus ultra y tienen una sonoridad profunda por su alto grado de honestidad. Tal y como puede apreciarse en sus líneas dedicadas a la playa, al Sol de La Herradura, zona conocida por sus magníficas olas de surf.

Más allá de los canones establecidos y la experimentación que ha sufrido la poesía a lo largo del tiempo  y que en  muchos casos ha llegado a la misma vacuidad, Sudamérica  está llena de grandes movimientos artísticos, tales como: El Creacionismo de Huidobro, la anti poesía del centenario Parra o la poesía subversiva de Roque Dalton y Enrique Cardenal, hablar de poesía es hablar del nuevo mundo y sobretodo del Perú, lugar fecundo para nuevos poetas.

Y como epilogo final al fiel estilo de Luis Hernández dedicado al genio y figura de Ezra Pound, le dedica algunas líneas: Sé que llegaras a mi barrio/ los muchachos dirían en la esquina:/ Qué tal viejo, che’ su madre. Poema número 2 del libro Constelaciones.

Ptesentación del libro:

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Javiera Mena la chilena más linda

Publicado en : La Tundra U.k

Exponente del electro pop más atrayente, a lo largo de su carrera fue adquiriendo experiencia y profesionalismo dentro de la movida indie de su país, Chile, con colaboraciones memorables como la que realizó con la Panóptica Orchestra de México y su éxito bailable Complejo de amor.

En su haber tiene cuatro discos grabados: Otra era, Primeras composiciones 2000-2003, Mena y Esquemas juveniles. Sus letras tiene un acentuado romanticismo, lo que encandila a sus más fieles oyentes y dan como resultado  tonadas pegajosas y difíciles de olvidar con niveles de energía inacabable en que la fiesta no parece tener fin, que a su vez juegan con el doble sentido, poniendo aún más movido el ambiente.
En escena Javiera Mena luce una desenvoltura, desparpajo y sensualidad natural recordándosele, en especial, en uno de sus conciertos donde compartió cartel con Brazilian Girls.

No es por nada que en el país del río Mapocho es parte de la realeza musical. Debido a ello es que los nuevos cantautores vienen sonando fuerte en la región y los ecos de estas canciones, por momentos, se pueden oír en alguna discoteca fuera del continente. 

En la voz de la cantante hay algo que hace referencia a Violeta Parra —una de las grandes cantautoras chilenas de todos los tiempos, siendo en vida una reconocida folklorista y multifacética artista—. A la vez sus canciones se mezclan con tintes de Aphex Twin y el pop muy de los noventa de Britney Spears “Oops… I did it again”, condimentados con videoclips muy coloridos que hacían mover los huesos de los adolescentes de aquella generación.

Javiera Mena se ha ido convirtiendo en un ícono pop de nuestro continente ganando un espacio con buen pulso y esfuerzo.

soundtrack:

 

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Cuchillazo

Publicado en: La Tundra U.K

Emergentes de los marasmos del underground, del que nunca perdieron su energía primigenia, los inicios de Cuchillazo datan de los primeros años del Siglo XXI donde sin mucha retórica de por medio: el autor de esta modesta nota saltaba como un alocado, luciendo polos de Green Day, Blink 182 o Nofx o de cualquier banda que sonara como ellos, en su mayoría provenientes de California.

Por estos lares (Perú) el movimiento happy punk, HxC (hardcore) melódico, pop punk —o lo que bien fuera y al que gustara de este estilo musical—, se le nombraba como: “Chiki Punk”. Estas bandas mezclaban los ritmos provenientes del extranjero, conjugando con la lírica de las bandas locales, dando origen a un nuevo tipo de punk criollo. Por aquella década se realizaban varios de estos conciertos con un público generalmente de la capital (Lima) y sus seguidores no sobrepasaban los veinte años. Estas agrupaciones se destacaron por lanzar temas propios y no simples covers. Muchas de estas agrupaciones aún perviven aunque otras quedaron en el recuerdo, como; Seis voltios, Diazepunk, Rezaka , Inyectores, entre otros.

En los conciertos el pogo se transformaba en un frenesí inacabable, existiendo un pequeño oasis para el HxC del que Cuchillazo nunca se salió del guión. Ese ritmo enérgico y fuerte —que algunas veces sonaba inclasificable—, manifestándose en las letras que reflejaban la realidad imperante y los estados de ánimo de ese instante.

Es duro para este tipo de bandas adecuarse al gusto de las modas musicales predominantes de estos últimos años, y en eso radica su mejor mérito. Cuchillazo se integra por uno de los mejores cantantes y guitarristas de la escena peruana (Nicolás Duarte), sumado a un fabuloso baterista que parece adquirir la piel de un pulpo de ocho brazos, asemejándose a John Bonham: “El Martillo de los dioses” (Capi Baigorrea), salido de las antípodas del heavy, sin quitarle el mérito a su bajista piedra angular de la banda (Rafael Otero).

Después de un periodo de estancamiento, volvieron con una nueva producción y nuevas canciones, en que aún “Máquina”, tema emblema de su producción, junto a “Escribir todo de nuevo”, suenan renovadas. En su haber tienen tres discos muy bien cuidados. Por lo pronto sus fans más fieles esperan que sus canciones nunca se extingan, refrescando la anquilosada escena musical peruana.

Soundtrack:

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